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谁创造了这个词“平面设计”？谁设计了第一张专辑封面？谁是第一位女性大众市场的美国杂志的艺术总监？谁创造了“我要我的MTV”广告活动？谁创造了第一个邮购字体店？在这本书中，你开始了解到谁那些历史上在设计界有过突破的设计师和他们的作品。
陈莞荑 译
献给我的家人，Tim和Will。
本书英文版图片提供者如下：
封面上方（左至右）：Milton Glaser、Herbert Matter、Muriel Cooper
封面下方: El Lissitzky
封底（左至右）：Saul Bass、Cipe Pineles、Theo van Doesburg、Paula Scher
本书英文版字体为：Univers 和Scala。
这是一本关于人名的书。大多数人都对建筑师、艺术家以及时尚设计师的名字如数家珍，但没有几个人了解平面设计师的名字。对我来说这很奇怪，因为正是平面设计师创造了世界上如此多的东西：图书、杂志、网页、logo、海报、包装、路标、移动应用、电影和电视图像等。
本书介绍了许多对20世纪产生重要影响的平面设计师，由于本书篇幅有限，所以并没有将他们悉数收录。
本书介绍的是人物，并不是主题或思想。我将这些设计师以时间段为线索大致分为了4组。因此，某些特定的作品可能不属于早期现代作品，但我把该作品的设计师放在第1章，作为一个时代的参考。此外，有的设计师的职业生涯长达数十年，我依然以时间为线索安排他们在书中的位置，而不会给他们贴上风格的标签。
20世纪90年代，我就读于加利福尼亚工艺美术学院（现在的加利福尼亚艺术学院）。那时候的平面设计很复杂，至少我注意到的设计都非常复杂，层层覆盖的材质、扭曲的图像和模糊纠结的字体等混乱不堪，有时候竟然难以辨认。虽然我比较喜欢这种设计方式，但是却绝对不会去做这种设计，我个人一直比较喜欢整洁、清晰和直击要点的设计。我曾经幼稚地认为，因为所有的设计师都在创作垃圾，所以，如果想成为设计师也必须创作垃圾。而事实是，在我非常艰难地通过了我的第一门课后，我对设计这件事完全没有了想法。
然后，我跟着Steve Reoutt学习了平面设计史这门课程，我曾认为这种历史课既无聊又没用，但这堂课绝非如此，我被彻底征服了：El Lissitzky的简单质朴；Edward McKnight Kauffer的明亮色彩；Herbert Bayer的粗体字母；Jan Tschichold的非对称设计与留白；Herbert Matter的抽象与约束。这里的每一位设计师都给了我希望，如果他们能做到“少即是多”，那么，我也可以。
这是一本我一直想写给自己的书。我是一位不善学术的教师，但我想给我的学生们一本启蒙读本。我也是一位不精于历史的实践型设计师，但我愿启发灵感故而写下这本关于现代设计师的简单参考书。
当然，现在市面上已经有了不少设计史方面的优秀图书，如Philip B. Meggs和Alston W. Purvis合著的经典之作《Meggs' History of Graphic Design》。我之所以自己写这本书，不是要取代之前的经典，相反，我希望能够引导读者重读并深入探索这些著作。
本书中的这些人对我和我的工作产生了至关重要的影响。此外，那些我从学校中了解到的设计师先驱、我上学时设计学院的院长、我的老上司以及20世纪90年代诸多设计师也在书中有所介绍，正是他们改变了平面设计。我希望各位读者能通过阅读本书而有所感悟，正如我在写作过程中所得到的。
20世纪到来之前，世界已经经历了巨大的变革。工业革命，起始于18世纪初的英国，继而在19世纪席卷了欧洲和美国，它几乎为一切人类活动都创造了全新的方式，从手工制造到旅游，再到通信等。机器的兴起使大规模生产成为可能，产品生产变得更简单，商品也更便宜。此外，工业革命也带来了更多的工作岗位，让市区更加集中。人们离开了乡间农场，转而到城市中谋求生计。
人口迁移、工业化、大众传播等力量将塑造视觉文化（通过艺术家和设计师创造），并在之后的几十年内影响世界。
随着城市的增多，街头海报成为吸引顾客最为有效的方式。相比手工生产，蒸汽印刷机能以更高的质量，更快地生产出海报、图书、杂志和报纸。印刷材料不再是稀缺资源，手工制品也开始走入工人们的生活，而不再是“富人专属”。随着教育的普及，使识字率上升，通过印刷来传达信息的方式也就此得到发展。
然而，并不是所有人都热衷于大规模生产和机械效率。William Morris就拒绝“机器美学”，并在19世纪80年代发起了“工艺美术”（Arts and Crafts）运动。它的目的是将卓越的审美与传统手工制造的精湛工艺完美结合。Morris不但反对机器，还拒绝平庸，因为大多数大规模生产的制品通常质量低下、缺乏美感。
Morris创办了凯姆斯科特出版社，出版自己的书籍。这些书有着木刻边框和细节装饰，字体的灵感来源于15世纪时的形式。在那个时期，如果没有机械化，是无法持续运营一家出版社的，以劳动密集型为基础生产出来的图书相当昂贵，无法触及普通人群。工艺美术运动产生了持续的影响，基于自然和植物的装饰形式成为了“新艺术”（Art Nouveau）运动的重要组成部分。
在巴黎，海报艺术不仅在艺术圈蓬勃发展，也引来了收藏家的关注。艺术家们在创作作品中发现了机遇，他们可以为产品提升艺术感，并增加娱乐性。Jules Cheret，被称为“现代海报之父”，他将艺术性与实用性相结合，除了绘制海报，还开发了一种方法来再现它们。Cheret通过套印技术将绘画风格和传统的壁画艺术融入到他明快华丽的设计中。19世纪后期，日本开始与美洲大陆有了贸易往来，随后，日本版画艺术的非对称形式和色彩平涂技法对Cheret和其他一些欧洲艺术家产生了重要影响。通过使用女人的画像和手写字母，Cheret开创了一种独特的风格。在他的海报中，女人的形象通常生气勃勃、享受生活，如跳舞、饮酒或吞云吐雾，这在当时是很不寻常的。一些艺术家，如法国的Henri de Toulouse-Lautrec和意大利的Leonetto Cappiello纷纷效仿。
出生于摩洛维亚小镇（现捷克境内）的Alphonse Mucha在巴黎工作，是新艺术运动的代表人物：平涂色彩、创意字母以及风格化的有机形式。他在画中加入了细致的马赛克背景，并且为画中女性绘制了长长的、具有流动感的卷发。女演员Sarah Bernhard相信，Mucha真正地捕捉到了她的神态，这是其他艺术家没有做到的。于是，她与Mucha签下了独家合约，让Mucha负责她的海报、舞台布景和演出服装的设计。
在英国，一位名叫Aubrey Beardsley的插画师简化了自然的形式，其作品以黑白图像、重重的轮廓和扭曲的人物身体而闻名于世。当Beardsley将图像与烫印分开处理时，画家James Pryde和William Nicholson，即众所周知的Beggarstaff兄弟，却将烫印整合到他们的作品构图中。他们的插画在视觉上往往是不完整的，为观者留下了用想象将残缺补全的空间。Beggarstaff兄弟合作的时间很短，虽然他们的作品在艺术圈内得到了肯定，但是却无法赚到钱。
Will Bradley将新艺术运动引入到美国，并在马萨诸塞州的斯普林菲尔创办了Wayside出版社。通过他的海报设计和出版图书期刊可以看出，他的创作深受Aubrey Beardsley和William Morris的影响，视觉要素与文字相得益彰，最终形成了独特的艺术风格。
在德国，新艺术运动又被称为“青年风”（young style，德语为Jugendstil），德国的艺术家和设计师们尝试着将这种风格加以创新。Peter Behrens的灵感最初来源于法国新艺术运动，但在世纪之交，他开始摒弃作品上的浮华装饰。Behrens 和其他设计师逐渐变得更加客观，他们的作品不再使用花卉图案，转而更加注重几何逻辑和秩序感。在转变的过程中，最具代表的人物来自奥地利的维也纳分离画派，如Gustav Klimt和Koloman Moser。
1900年后，印刷品的设计，包括海报、书籍、期刊，变得越来越简单，越来越结构化，现代主义风潮蔓延至整个欧洲。很快，艺术家和工匠们有了新的头衔——平面设计师（graphic designer）。
20世纪，社会、文化和日常生活都迎来了实验、创新和改变。艺术家、作家、建筑师和设计师都拒绝历史风格和思想，他们厌倦了工业时代的设计，转而为新时代的需求和可能性提出新的概念。
新兴的审美是对之前风格的延续。比如，艺术家和设计师依然抛开新艺术风格的浮华装饰，采用抽象的几何形式。平面设计（虽然在多年之后才被人这样称呼）在那时深受现代艺术风格的影响，这些风格包括立体主义、未来主义、构成主义、风格派和达达主义，提倡简单和创新的表达方式。在设计中，一种更具功能性的传达方法出现了，它的目的是清晰地传达信息。在欧洲，带有这种新感觉的海报成为流行的广告形式，促进了商业和经济的活力，并在工业时代成为主导。
1917年，世界政治动荡不安，但这也启发了设计师，他们相信，一个彻底的变化可以改变这个世界。通过对几何形状、摄影和简单的排版等视觉语言的探索，可以将来自不同文化和阶层的人团结起来，志同道合的设计师和思想家们组成小组，讨论和推广这些新的想法。
与此同时，技术的发展让艺术家和设计师能够触及更广泛的大众，并发挥出更大的影响力。摄影的进步，尤其是胶卷取代了银版，使照相机成为大众商品，让人们能够充分发挥自己的创意。工业时代的大规模生产让普通人也可以用既漂亮又实用的物件装饰自己的家，这也为设计师们创造了新的机遇，甚至连生产这些物件的机器也被认为是十分漂亮的。对于印刷，已经从一种装饰工艺转变为一种传达新想法和信息的有力手段。
早期现代时期，新想法遇到了新技术，改变了大众、公司和政府使用视觉媒介传达信息的方式。
1883–1972 |生于德国斯图加特|就读于慕尼黑艺术学院
Bernhard发明了“object poster”这种以突出产品为特征的海报。
Bernhard拒绝新艺术风格中复杂的装饰。
Bernhard设计了多种字体。
Lucian Bernhard 20岁时参加了由Priester火柴公司赞助的海报设计大赛（可以将其视为“众包”的早期形式）。虽然那时正在盛行拥有复杂装饰和花卉图案的新艺术风格的作品，但Bernhard有其不同的创作方向。他只画了一个简单的场景，画中是一只放在烟灰缸上的点燃的雪茄以及几根火柴。一位朋友看到这幅作品后觉得这是在突出雪茄，随后Bernhard便去掉了所有无关的细节，只剩下两根红色的火柴。最后，他又画上了火柴品牌的名称。虽然没有宣传语，也没有其他任何东西，但人们的注意力却无法从产品及其品牌上转移。
Lucian Bernhard为Priester公司火柴海报大赛提交的作品并没有被立刻接受，而是在一开始就被评委扔进了垃圾桶，但另一位姗姗来迟的评委Ernst Growald却从废物中将这个作品拾起来，仔细研究了一番后说道：“这是一个天才。”Growald 在说服了其他评委后，Bernhard的海报获得了一等奖。
Bernhard的设计风格受英国Beggarstaff兄弟简化轮廓和极简主义的影响。像Beggarstaffs兄弟一样，Bernhard也使用平涂色彩，但其独特之处在于他没有为作品中独立的形状画上轮廓。
Bernhard为Priester公司设计的海报不仅赢得了比赛，还开创了一种新的、直截了当的广告风格，德国公司尤其喜爱这种全新的极简主义风格，他们称其为“Sachplakat”（海报风）。广告商认为，新艺术风格错综复杂的装饰不但会掩盖产品本身，甚至会与产品产生竞争。海报必须能够快速地给路人一个深刻的印象，因为路人不会停下来花时间探究海报的细节消息。Bernhard的设计突出了产品本身和产品名称，从而解决了这个问题。
Bernhard在1906年创办了自己的公司，雇佣了20多位设计师。随后他移居纽约，在那里，他的业务扩展到室内设计，并与他人合作创立了Contempora公司，销售纺织品及家居用品。此外，他还设计了Bernhard Modern和Bernhard Gothic字体，这两种字体至今仍在被人们广泛使用。
读 《History of the Poster》，Josef Müller-Brockmann著，19世纪后期以来的海报设计概览。
做 Bernhard的海报风格是将图像减至最少，以便清晰地传达信息。
思考一下你最近所完成的设计作品：还能从设计中移除什么元素？
在不影响表达作品意义和信息的基础上，还能做多少改动？
“透彻、清晰并恰到好处，这就是目标。新规则必须是旧制度的补充，就好像汽车发现了自身的独特之美，商业排版印刷也找到了自己的表达方式，与图书的艺术截然不同，在达到目标之前，犯错误也是必要的。”[1]
——Lucian Bernhard
这段英文使用了Bernhard设计的Bernhard Modernd字体的数字版本
1883–1918 |生于德国本笃拜恩|就读于慕尼黑应用艺术学院
Hans Rudi Erdt在德国进一步发展了“海报风”运动。
Hans Rudi Erdt使用视觉技巧来暗示产品，而不是直接展示。
Hans Rudi Erdt设计了经典的战争海报。
与Lucian Bernhard一样，Hans Rudi Erdt使用精益的方法进行设计：平涂色彩，简单的形状以及粗体字母。但Bernhard 的设计聚焦于要销售的产品，而Erdt在设计中采用了更加平实的方法。比如，他为欧宝汽车创作的海报中并没有体现汽车，只有一个头上带着风镜和帽子的人脸，以及上部的“汽车”（AUTOMOBILE）和下部的“欧宝”（Opel）两个单词。相比于商品，人们往往更倾向于被人脸所吸引，因此在设计中置入人物形象可以引发观众的情感联系。
Erdt善于将字体融入作品布局，虽然他没有在设计中展示汽车，但他做出了暗示。字母“O”的比例比其他字母要大，而且它是一个完美的圆形，就像一个方向盘。整幅作品看起来好像是一个人正在驾驶着汽车，只不过我们看不到这辆车。品牌名称和方向盘组成的视觉要素提醒着人们，欧宝是一家汽车公司。
印刷商Hollerbaum ＆ Schmidt与Erdt以及其他一些进步的设计师如Bernhard、Julius Klinger和Julius Gipkens签订了独家代理合同。Erdt的客户还包括Manoli＆Problem香烟和妮维雅护肤品。在第一次世界大战期间，他也为德国战争电影委员会的战争电影设计了海报。35岁时，Erdt死于肺结核。
1874–1949 |生于德国威斯巴登|就读于慕尼黑工业大学
Ludwig Hohlwein将深度与图案融入到海报设计中。
Ludwig Hohlwein在其职业生涯中不断探索设计技巧，从平涂到注重绘画。
另一位具有影响力的德国设计师叫做Ludwig Hohlwein，其绘画灵感来源于Beggarstaff兄弟及其平涂、简约的平面设计风格。为了成为建筑师，Hohlwein在1911年离开了慕尼黑，前往柏林，并在那里从事海报设计工作。虽然他的作品风格与先驱Bernhard的“海报风”相似， 但在一些重要的审美方式上，Hohlwein的作品别具一格。不同于纯粹的色彩平涂，Hohlwein 将深度感融入设计，图案、纹理以及色彩赋予作品更强的表现力，非常适合那些服装公司的客户。
随着世界的变化，Hohlwein的设计也在变化，他的作品变得更加丰富，也更偏向绘画。第一次世界大战期间，他在海报设计中运用明暗对比，使作品充满人情味儿。比如，在一幅关于德军战俘的海报中，十字图形与士兵传神表情之间的平衡，直抵观者的内心深处。之后一段时期，Hohlwein在作品中着重突出人物的肌肉线条，使其变得更加棱角分明。
1876–1944 |生于埃及亚历山大|就读于索邦大学和帕维亚大学
Marinetti打破了排版规则，对现代设计产生了重要影响。
Marinetti开创了意大利的未来主义文学流派。
Marinetti将文字与排版相结合，开创了一种新的诗歌表现形式。
对于意大利未来主义风格开创者Filippo Tommaso Marinetti来说，速度、机器、战争和改变等词汇是他在20世纪最为重要的元素。虽然Marinetti是一位众所周知的诗人，但他打破了一切排版规则，开创了新的诗歌表现形式，并产生了深远的影响。
1909年，Marinetti在法国报纸上发表了他的“未来主义宣言”，呼唤艺术、诗歌和设计领域的变革，鼓动艺术家们抛弃传统的创作方式，接受速度、机械化流程以及工业世界。虽然是三个女儿的父亲，但他也歧视性别，女权主义是他反对的问题之一。
1914年，Marinetti出版了自己的第一本书——《Zang Tumb Tumb》，内容来自于他在1912年经历的巴尔干战争的体验。这本书的书名用图形化的方式传达出战争中枪炮、手榴弹和其他武器发出的声音，是他尝试“自由的文字”的一个实验。Marinetti在封面设计中使用了混合不同比例和角度的字体，极富表现力。后来，他将未来主义思想延伸到了音乐、舞蹈、电影和纺织领域，甚至出版了一本《未来主义菜谱》（Futurist Cookbook），呼吁人们禁食意大利面，因为它会让人们无精打采。
读 《Futurism》：未来主义，是一本由Lawrence Rainey、Christine Poggi和Laura Wittman编辑的文集，其中收录了宣言、艺术品和诗歌，包括Fortunato Depero的作品，他是在商业上最为成功的未来主义艺术家和设计师。
1890–1954 |生于美国蒙大拿|就读于马克·霍普金斯学院和芝加哥艺术学院
Kauffer改进了现代绘画知识以适应于设计。
Kauffer结合未来主义风格、立体主义风格和漩涡派风格，开创了全新的海报风格。
Kauffer帮助英国建立了平面设计学这一学科。
Edward McKnight Kauffer生于蒙大拿州，但其艺术启蒙于芝加哥。1913年，Armory Show博览会将欧洲的前卫艺术带到了美国，受此启发，Kauffer开始了外出求学的生涯。在德国，他感受到了Ludwig Hohlwein海报作品的影响力，随后在法国巴黎学习绘画，最后在伦敦开始了自己的广告设计事业。
Frank Pick，一位伦敦地铁的管理员，成为了Kauffer的重要客户。Pick是现代设计的坚定支持者，他坚信现代设计具有其商业价值。那时的地铁会产生巨大的污染，但Pick和Kauffer开始了一个大胆的行动，他们以有趣的地铁站点为主题，设计一系列地铁系统的旅游观光海报，以此给地铁运输系统带来正面的形象。这是一次重大的合作，Kauffer总共为Pick设计了100多幅海报。
1919年，Kauffer为伦敦的《每日先驱报》提交了一个宣传海报作品。作品中的宣传语为“Soaring to Success! Daily Herald—The Early Bird”（飞向成功！每日先驱——晨鸟）。在这幅作品中，Kauffer使用了在1916年创作的绘画作品《Flight》（飞翔）。在画中， Kauffer将自己对飞鸟形态的观察，与未来主义风格和漩涡派（Vorticist）风格相结合，表现出了一只动态的飞鸟，其灵感看似来自于日本的版画。漩涡派是英国前卫抽象艺术家们开创的一种风格，他们崇拜机器和速度。Kauffer为《每日先驱报》设计的这幅海报成为了他的代表作，并为他带来了新的业务，包括图书封面设计、室内设计、商店橱窗设计、舞台设计、壁画照片设计以及地毯设计。
Kauffer不但聪明，也非常成熟。他明白，要想获得好的结果，就需要与客户建立友好的关系。 Frank Pick和壳牌墨西哥石油公司的Jack Beddington都非常认同Kauffer的作品。但是，大多数客户并没有不假思索地认同Kauffer激进的现代主义风格设计，而Kauffer则礼貌地请这些保守的客户另请高明。除了在设计领域游刃有余地开展业务之外， Kauffer还是伦敦艺术和文学领域内的重要人物，与伦敦著名诗人T.S. Eliot和文学界核心人物Virginia Woolf齐名。
在伦敦的广告事业建立起影响力之后，Kauffer在1940年又到了纽约开展新的业务，但是并不顺利。他那配以最简文字的符号设计虽然广受博物馆的青睐，但没有得到美国商业广告行业的欢迎。此后，他变得焦虑不安，并在纽约市场的竞争中失去信心，于1954年逝世。
看 伦敦运输博物馆藏有127幅Kauffer设计的海报，其中一些会定期展览。
1890–1941 |生于俄国波奇诺克|就读于德国达姆施塔特工业大学和里加工业大学
Lissitzky对图书设计、展览设计及字体设计产生了重要影响。
Lissitzky率先在设计中采用对角线、不对称、留白以及粗体无衬线字体。
Lissitzky坚信视觉传达可以影响普通大众，并加速社会的变革。
俄国设计师El Lissitzky在其事业早期主张“至上主义”（suprematist），他的作品通常会融合强烈的对角线元素，这为其作品赋予了一种全新的、动态的美感。
至上主义运动由俄国画家Kasimir Malevich发起，他主张在作品中运用抽象的几何图形和平涂色彩（著名的黑色圆圈“Black Circle”就是他的作品）。至上主义的追随者们相信，艺术不需要任何其内在精神价值之外的功能。1921年，Lissitzky突然脱离了至上主义艺术家群体，转而走上实用设计的道路，从而开创了构成主义（constructivist）设计风格。
Lissitzky认为，艺术和设计可以在识字水平不高的国家中起到沟通和传达的功用。他的目的是通过使用形状和色彩建立一种视觉语言。
Lissitzky的设计作品有几个显著特点：基于网格的布局结构、有限的色彩、充满张力的对角线构图、无衬线字体以及重复的纯几何形式。在设计中，他还使用分层和叠加多个图像的拼贴蒙太奇手法。对于他来说，排列图书的内页就像放电影一样，这种组织空间的方式赋予了文字新的内在动力。
虽然Lissitzky在绘画、建筑及排版印刷等多方面都颇具天赋和才华，但唯有设计能让他成为一场艺术运动，如构成主义、风格派、达达主义以及包豪斯中的代表人物。一体化的设计布局不仅能吸引眼球，更能凸显和强调内容。尽管Lissitzky 饱受肺结核的折磨，但他并未因此减缓工作的速度。教学、写作、旅行、出版刊物，他依然在世界各地友好地传播他的设计思想。
1891–1956 |生于俄国圣彼得堡|就读于喀山艺术学校
Rodchenko开创了照片蒙太奇手法。
Rodchenko涉足多个创作领域，包括设计、绘画和摄影。
Rodchenko的作品中充满了戏剧性的角度设计和大胆的观点。
Alexander Rodchenko以画家的身份开始了其视觉艺术事业，之后转而走上了商业设计的道路，并与El Lissitzky 和Vladimir Tatlin发起了构成主义设计运动。然后，他放弃了绘画，以务实的态度和前卫的理念进行设计创作。对于他来说，设计远比“架上绘画”重要得多。
像其他构成主义设计一样，Rodchenko的作品的显著特点是强烈的对角线和非对称构图、无衬线字体、留白以及大胆的摄影作品。他率先使用了照片蒙太奇，即将不同的照片合并到一个构图中。他的作品通过等比例地并列元素、透视以及作品的题材本身，吸引并唤醒观者，让他们感受到新媒体的力量。
1923年，Rodchenko与诗人Vladimir Mayakovsky共同开办了广告代理公司，为一些机构和组织提供服务。这份工作也让他们将思想从现代设计领域推进到广告领域。与此同时，Rodchenko完成了Mayakovsky的诗集《Pro Eto》的视觉设计。 Rodchenko的视觉艺术创作非常适合解读这种抽象的诗歌。
此外，Rodchenko为 Sergei Eisenstein的《Battleship Potemkin》和Dziga Vertov的《Kino Glaz》设计了电影海报，并为后者设计了演职员表。Rodchenko涉足多个领域，这使他总能有新的突破，也正是因为这一点，他总能保持乐观的心态。他发现，大多数成功来自于自己的摄影。激进的构图、充满实验性的对角线和透视是其作品的特点。后来，他从一名旅行摄影师转型为一名画家。
求学期间， Rodchenko与同窗Varvara Stepanova （1894–1958）相识， Stepanova后来成为了Rodchenko的妻子以及艺术上的伙伴。Stepanova也是一位多才多艺的俄国前卫艺术家，涉足绘画、摄影、写作及设计多个领域，在舞台设计、服装设计和纺织品设计方面才华出众。她在设计中引入折叠结构，这种创新的做法可以服务于多个功能。与她的丈夫一样，Stepanova也与Vladimir Mayakovsky 合作设计海报。后来，她还从事过杂志设计的工作。
Vladimir：1899–1982 |生于俄国莫斯科|就读于斯特罗加诺夫应用艺术学院
Georgii ：1900–1933 |生于俄国莫斯科|就读于斯特罗加诺夫应用艺术学院
Stenberg兄弟开创了电影海报新风格。
Stenberg兄弟发明了一种设备，用于放大电影中的静态图像。
Stenberg兄弟为设计灌入了动态变化。
现今，很难再找到体现出卓越平面设计的电影海报了，现在所能看到的电影海报与前苏联20世纪20年代的海报相比没有太大进步。俄国革命之后，电影在大众间流行起来，Vladimir和Georgii，即Stenberg兄弟为这一时期的电影创作了300多幅宣传海报。
那时，电影海报展现的通常是明星在影片中某一关键时刻的形象，在今天依然可以看到这种海报。而Stenberg兄弟采用了截然不同的元素，并对它们重新组合，加之极端的变化、大特写镜头以及丰富的色彩，从而创造出独一无二的图像，很好地传达了影片的基调。虽然Stenberg兄弟的作品偏向于至上主义风格，而且创作方法与 Alexander Rodchenko的照片蒙太奇类似，但是，他们的作品更逼真，而且是由手工创作。复制大型照片在那时是很困难的，为此，斯坦伯格兄弟二人发明了一种投影机，这样，他们就能够放大影片中每一帧的图像，然后进行临摹、扭曲和合成。
在Stenburg兄弟的作品中，人物呈现出跳起、踢腿以及腾空而起的动态；文字和图形元素旋转、弯曲，这都是前所未有的。此外，他们还为黑白电影的海报使用了明亮饱和的色彩，这实在非同寻常。绿色、黄色或蓝色的人物皮肤，背景通常是城市和建筑，这些色彩强烈且不和谐。
兄弟两人相差一岁，但哥哥Vladimir后来留级了，俩人变成了同桌。他们从小到大都是一起协作，同时处理同一个项目。作为前苏联前卫艺术家中的成员，Stenberg兄弟也涉足舞台、皮鞋以及火车车厢设计。1933年， Georgii在骑摩托车时被一辆卡车撞倒身亡。
读 《Art of the Modern Movie Poster:International Postwar Style and Design》，由Judith Salavetz、Spencer Drate、Sam Sarowitz、Dave Kehr合著，涵盖了众多第二次世界大战之后优秀的海报设计。
看 欣赏经典老式电影海报图片。
1883–1931 |生于荷兰乌德勒支
van Doesburg是风格派运动的发起人之一。
van Doesburg旨在通用规则、抽象和几何形状来开发一种通用语言。
van Doesburg对字体进行了大胆的实验。
就像在俄国一样，政治与艺术在荷兰也发生了碰撞。在第一次世界大战期间，Theo van Doesburg，这位荷兰画家、设计师、建筑师和诗人，与画家Piet Mondrian和家具设计师Gerrit Rietveld一样，尝试改善立体主义背后的思想，他们将这场新运动称为“风格派”。风格派艺术家们主张通过规则、抽象和几何形状来建立一种具有秩序感的通用视觉语言，风格派作品的显著特点是强硬的直线、块布局、非对称和原色。
尽管Mondrian更有名气，但van Doesburg被认为在风格派运动背后提供了主要的理论支撑。负责杂志设计和编辑的Mondrian的观点是，风格派仅适用于绘画和《De Stijl》杂志；负责实验字体及版式的van Doesburg对此并不认同，他在杂志的对角线设计中打破了Mondrian横平竖直的构图，艺术风格上的分歧最终结束了他们之间的友谊。
爱好交际的van Doesburg不仅是这场理性艺术运动中的重要人物，也是风格派的对立面，达达主义中的重要人物。通过使用化名I.K. Bonset， van Doesburg主编了一本名为《Mécano》的杂志，杂志采用达达风格的排版设计，发表达达主义诗歌。
虽然van Doesburg的生命历程只有47年，但他毕生都投身于写作、授课、参加会议、组织展览、设计和绘画。通过这些活动，他对当时的前卫艺术派产生了重要影响，相应地，也塑造了现代视觉文化。
1918年，法国前卫派诗人Guillaume Apollinaire创作了一本诗集，名为《Calligrames》。诗集的排版打破了标准的水平排列，即由左至右阅读的惯例，作者通过排版，直观地表达了诗歌的意义，如图中所示的“Il Pleut”（雨一直下）。虽然这只是他的一个实验，但却对未来主义和达达主义风格的排版产生了深远影响。
包豪斯（德文意思为“建造房子”) 是由建筑师Walter Gropius领导、设计、教育的一次进步性的实验，是新型设计院校的范例。包豪斯注重理论与实践的结合，其理念和教学方法对现代设计产生了深刻而持久的影响。
1919年，包豪斯将诸多艺术家和设计师的思想结合在一起， William Morris发起的工艺美术运动、俄国的构成主义和荷兰的风格派都产生了巨大的影响力。那时，Gropius的主要精力放在了建筑教学以及少量的平面设计课程上，在学校运营了14年后，平面设计成为了一门基本课程。
在变革中，一些艺术家们支持工业与机器，与此同时，学校也渐渐远离传统手工艺。1923年，匈牙利人László Moholy-Nagy进入包豪斯，教授排版印刷和摄影两门课程。除此之外，他还负责管理包豪斯出版社，并为其设计视觉形象：由圆、三角形和正方形组成的基本几何形式。Moholy-Nagy在14本书中阐述了学校的理念，并发表了一篇文章，为“New Typography”（新排字印刷）作出了定义，后来被设计师Jan Tschichold进一步发展为一场运动。
包豪斯不仅传授学生们刻字和构图等传统设计技能，还鼓励他们在探索摄影和印刷技术时运用诸如非对称、平衡及结构化空间等原则。Herbert Bayer和Joost Schmidt 都是后来留校任教的包豪斯学生。
仅仅14年，纳粹将包豪斯视为威胁，逼迫其关闭，因此许多教师和学生都离开了德国。Moholy-Nagy来到芝加哥，建立了短期的新包豪斯，并开办了设计学院，这个学院后来成为伊利诺伊理工大学（IIT）的一部分。IIT的这个学院后来聘请包豪斯最后的负责人——建筑师Ludwig Mies van der Rohe来领导建筑学院。画家Paul Klee去了瑞士。Wassily Kandinsky定居于巴黎。平面设计师Josef Albers前往北卡罗莱纳州的黑山学院任教。Gropius 和身兼建筑师和家具设计师的Marcel Breuer任教于哈弗大学设计学院。走到哪里，他们就把包豪斯的理想带到哪里，让包豪斯的影响力发扬光大。
读 《Bauhaus: Weimar, Dessau, Berlin, Chicago》，Hedwig Wingler著，这本书收录了与包豪斯以及包豪斯师生创作的展品，家具、陶瓷、海报、广告和其他作品有关的文档。这些文档有的是公开的，有的则是私人的。
看 1994年，英国电视台纪录片“包豪斯：二十世纪的面孔”中展现了一些新的内容和影片资料，包括采访著名的包豪斯学生及教育工作者，如Walter Gropius、Wassily Kandinsky、Ludwig Mies van der Rohe和Kurt Krantz。
1900–1985 |生于奥地利|就读于包豪斯设计学院
Bayer在包豪斯设计学院关闭后继续传播其理念。
Bayer 在美国建立了声名显赫的广告事业。
Bayer 将设计作为一个有价值的企业资产来打造。
Herbert Bayer最初是包豪斯学院的一名学生，师从László MoholyNagy和Wassily Kandinsky，后来留校任教。跟随着两位老师，Bayer的功能性设计思想逐渐成型，这个思想适用于多个设计学科，后来他担任包豪斯学院印刷和广告工作室的负责人，借此，他让平面设计成为了最重要的课程之一。
在德国魏玛共和国时期，通货膨胀导致经济极为不稳定，每个区域都有自己的应急货币。Bayer在这些纸币设计中并没有运用传统的国家符号、弯曲样式以及衬线字体，转而采用了网格、几何形状和无衬线字体。由于经济不稳定，这些纸币很快就成了废纸，人们将它们燃烧取暖。
Bayer的作品涉及范围广泛：位于德绍的包豪斯校舍的标识系统、《Vogue》杂志、《财富》杂志和活动报刊亭等。在厌倦了糟糕的字体印刷之后，Bayer在1925年设计了无衬线字体Universal，这种字体没有大写字母。问其原因，答道：“我们说的话没有大小写之分。”38岁时，Bayer带着欧洲现代主义的思想来到了美国，开创了自己的广告事业。他为美国集装箱公司设计了一系列突破创新的现代广告作品，与其早期作品相比，Bayer在后来的作品探索道路上越来越注重有效的传达沟通。在这段时间里，他策划和组织了一些展览，包括在纽约现代艺术博物馆举办的包豪斯作品展。后来，他又先后搬到科罗拉多州的阿斯彭和加利福尼亚州的蒙特西托。
——Herbert Bayer
“对于‘为什么Universal字体没有大写字母’这个问题的解释”（为什么要用两套字母系统来书写和印刷？我们说的话没有大小写之分）[2]
本段文字使用的是Universal字体的数字版本
1901–1968 |生于乌克兰|就读于巴黎美术学院和朱利安美术学院
Cassandre 像Fernand Léger（费尔南德·莱热）和毕加索一样，将现代绘画概念应用于法国的海报设计。
Cassandre 通过使用强烈的透视来展现三维空间。
Cassandre设计了一些字体。
当海报成为一个标志性的广告媒介之时，一位艺术家的作品脱颖而出。这位法国画家化名为A.M.Cassander，凭借作品简单的形式和显著的透视，以创作海报谋生，通过运用几何形状、阴影和剪影，他在作品中创造出空间的错觉，继而开创了喷枪绘画（airbrushing）技术，赋予其插画以平滑感和深度感。作为一个真正的商业艺术家，Cassandre没有将字体视为一个额外的要素，反而将其作为一个关键部分，整合到作品的构图中。
像其他创意者一样（特别是建筑师Le Corbusier）， Cassandre 发现了机械之美，在其设计创作的200多幅海报中，最为著名的就是那些表现机器的作品，包括火车、飞机和远洋客轮。
Cassandre认为，艺术不应该只属于少数人，它应该属于所有人民，这个观点与俄国的构成主义艺术家一致，但不同之处在于，他并没有致力于探索前卫艺术。Cassandre将不同艺术风格的元素融入到自己的作品中用作装饰，因此他的作品风格很受欢迎，后来人们将这种风格称为“装饰艺术”（Art Deco）。此外，他还设计了Bifur、AcierNoir和Peignot字体，在功能和优雅之间，他选择了后者。
Cassandre在巴黎合伙创办过一家名为“Alliance Graphique”的广告代理公司，然后前往纽约，在那里开展他的广告业务，其客户包括福布斯公司和美国集装箱公司。最终，他迁回巴黎，全心投入于绘画和舞台设计。Cassandre的个人生活没有他的职业生涯那么顺利，他离过两次婚，1968年，他在自己的家中自杀。
1880–1956 |生于美国俄亥俄州的马丁斯维尔|就读于芝加哥的弗兰克霍姆插画学院
Dwiggins创造了“平面设计”（graphic design）一词。
Dwiggins 设计了一系列图书和字体。
Dwiggins 著有《Layout in Advertising》一书，这本书极具影响力。
除了William Dwiggins的著作和字体设计受到人们的认可外，他还创造了“平面设计”一词。Dwiggins师从字体设计师Frederic W. Goudy，学成后投身广告业，成为一个自由书法家和插画师。在与Alfred A. Knopf的图书设计合作中，Dwiggins完成了300多个项目，帮助Knopf的公司在高标准的设计上有了长期的发展。Dwiggins热爱图书，并擅长将字体、手绘字和自然的灵感紧密地结合到作品中。
Dwiggins 的最大贡献其实在写作领域。1922年，他在《波士顿晚报》上发表了一篇名为“New Kind of Printing Calls for New Design”（意为“新型印刷方式需要新的设计”）的文章。在文章中，Dwiggins为商业艺术创造了一个新的词语：平面设计（这个词语在20世纪40年代之前并没有广泛使用）。1928年，Dwiggins出版了《Layout in Advertising》一书，书中不仅分享了他的设计理论，还对同行们低水准的设计调侃一番，尽显他幽默的一面。
Dwiggins 希望人们将他视为字体设计师，他一共设计了5种字体，如果他知道Caledonia字体和Electra字体至今仍然广受欢迎，他一定非常高兴。。
在业余时间里，Dwiggins 享受着他自己打造的迷你木偶剧团。1956年圣诞节，弥留之际的他用温和的口气说出了一句有趣的话：“这是一场华丽的冒险，我满足了。”[3]
1902–1974 |出生于德国莱比锡|就读于莱比锡大学
Tschichold著有《The New Typography》, 一本先进的字体和设计指南，至今仍有影响力。
Tschichold提升了书籍设计标准。
Tschichold在整个职业生涯中不断发展现代主义。
“除了更有逻辑性，非对称的优势在于完整的外观更容易抓住观众的目光，这比对称要更有效。”[4]
——an Tschichold
就像他的设计师前辈影响他一样，Jan Tschichold在去世后很长一段时间内，仍然对平面设计产生着持续的影响。Tschichold在德国图书产业的中心长大，在古典字体和书法方面接受了非常正规的教育。1923年的包豪斯作品展将Tschichold引入构成主义的道路，很快，他就开始吸收现代元素，并融入到自己的设计中。从他为慕尼黑电影院设计的照片蒙太奇海报就可以看出，他深受László Moholy-Nagy 和El Lissitzky的影响。
1928年，Tschichold出版了一本在今天市面上仍有售，并发挥着重要影响的手册——《Die neue Typografie》（英文名称为The New Typography）。这本书中充满了严格的设计标准，目的是让设计师们从传统的限制中解放出来，不再深陷于居中布局和无谓的装饰效果。他认为设计应该是简明而有效的，为了达到这个效果，可以使用一些设计手法，比如无衬线字体、构图、摄影和留白。
不幸的是，纳粹党认为现代主义是“反德国”的，1933年，Tschichold被捕入狱，遭受了四个星期的牢狱之苦。之后，他和家人移居到瑞士的巴塞尔。生活环境的改变也使他的作品逐渐背离其原本的风格，居中布局、衬线字体以及装饰要素开始出现在他的作品中。Tschichold认为，不同的作品，需要不同的解决方案。
1947年，Tschichold又前往伦敦，为企鹅图书公司（Penguin Books）的廉价版平装书封面进行标准化工作。他通过为图书封面上的水平条设置颜色来区分图书的类别（橙色为小说，蓝色为传记），这种方法在今天仍在使用。除了设计和印刷，Tschichold 还注重图书的手感，并规定了印刷、纸张重量及装订方面的标准。在他苛刻且坚定不移的态度下，图书质量水准得到了提升，他设立的标准对整个出版行业也产生了深远的影响。
注 释
[1].Steven Heller, “Words to Design By,” Print, 2012年8月15日.
[2].Herbert Spencer, Pioneers of Modern Typography (Cambridge, MA: MIT出版社, 1990), 67.
1929年的股市崩溃引发了一系列事件，从而导致了20世纪30年代的大萧条（The Great Depression），全球经济遭受毁灭，数以百万人失业。大萧条效应波及到了全世界范围内的政治、文化和社会领域，比如，德国魏玛共和国失去了来自美国的金融援助，纳粹党趁经济脆弱之机获得了在欧洲崛起称霸的机会。在这种环境下，设计师和艺术家们要么迎合希特勒的需要去进行创作，要么离开德国。因此他们中的许多人来到了美国，并将欧洲的现代艺术带到了美国。
美国的参战使其逐渐摆脱了经济上的萧条，战争创造了大量的工作岗位，并将资金注入到经济中。当战争结束后，不断增长的消费需求和出生率引发了经济的飞速增长。汽车和新的州际高速公路系统带来了新的就业机会，包括旅游、酒店和快餐。由于卸甲归田的军人可以很轻松地支付按揭贷款，房地产业的爆发式扩张突破了城市的容纳极限，郊区化成为一种新的生活发展方式。1949年，《Arts ＆ Architecture》杂志发起了实验住宅设计竞赛，旨在挑战设计师将好的设计想法与廉价的材料相结合。同一年，设计师Charles和Ray Eames 建造了他们的实验住宅，成为无障碍设计的榜样。
美国的新经济为平面设计师们带来了新的机遇，大量的新产品需要通过各种媒体来推广，除了广告业，杂志、影视业和音乐产业，都在吸引着顶尖的设计人才。公司机构开始越来越重视设计，企业形象设计领域也逐渐繁荣，除了欧洲移居美国的专业设计师外，美国土生土长的设计师也建立了成功的现代艺术事业。
在20世纪50年代的欧洲，国际主义平面设计风格即“瑞士风格”（Swiss style）进一步发展了包豪斯和风格派的理论，这是一种理性的设计方法，基于精确的网格来进行布局。整齐和简单的瑞士风格将现代主义推向了一个新的高度，越来越多的公司和机构开始采用这种风格的设计。
20世纪中叶的股市崩溃和第二次世界大战所引发的经济变革将人们的思想统一起来，从而催生了新的设计与传达方式。
1903–1969 |生于美国密苏里州的堪萨斯|就读于芝加哥大学
Beall在美国发起了现代平面设计运动。
Beall为推进电力化而设计了许多知名的海报。
Beall发展了企业形象设计。
Lester Beall在芝加哥学习的是艺术史，但他在现代艺术方面的知识来自法国杂志和包豪斯的图书。Beall是第一位成功地通过设计海报、杂志、包装及标志将欧洲前卫风格融入美国公司的平面设计师。
20世纪30年代中期，90%的美国农村家庭都没有电。作为时任总统罗斯福新政的一部分，农村电气化管理局努力将电力带入农村的各家各户，Beall为这项工程设计了一系列海报。1937年，Beall设计出了最初的一批海报，这些作品非常简单，只是简单地带有文字说明的插图，以便让没有接受过太多教育的农民可以轻松地看懂。在这一点上，与El Lissitzky的构成主义风格作品较为相似。之后，Beall 设计的两套海报更加复杂。设计第三套时，美国已经卷入第二次世界大战中，Beall在海报设计中使用了照片蒙太奇：显影照片、图形与说明以及有用意的字体。具有爱国主义倾向的色彩暗示电力的使用有助于赢得战争的胜利，从而唤醒人民的民族自豪感。
1935年，Beall从芝加哥移居到纽约，这为他带来了新的设计机遇。企业形象设计在现今的企业中已经得到广泛确立，它是一种完整的企业视觉语言，对使用方法有着明确的指导，但在以前却不是这样的。Beall为康涅狄格州人寿保险公司和履带拖拉机公司设计了令人印象深刻的标识，并明确了一套使用指南。他为美国国际纸业公司设计了一整套的企业标识使用指南，包括信纸、运输车辆、建筑标识以及包装。
最终，Beall将家庭和事业都迁往了康涅狄格州郊外一处风景秀丽并且平和安静的农场，在事业与生活之间找到了平衡，这也是许多现代人所追求的。“我觉得，在乡下生活和工作让我能够享受到更全面的生活”。他认为，“创作者的生活方式影响了作品的本质，二者相辅相成，缺一不可”[1] 。
同样，Beall认为艺术与设计也是不可分割的。他说，艺术家Paul Klee、Henri Matisse、Pablo Picasso和Jean Arp，摄影师Man Ray以及设计师Jan Tschichold 和László Moholy-Nagy ，都对他产生了非常重要的影响。为了寻求视觉灵感，Beall 经常定期地带着他的相机和画具旅行。此外，他还是一个音乐迷，经常听爵士乐，以及作曲家Sergei Prokofiev和Igor Stravinsky的作品。
读 《Lester Beall: Trailblazer of American Graphic Design》，R. Roger Remington著。
Peter Behrens 在1908年为德国第一大公司AEG（德国通用电气公司）设计了企业标识系统。他为公司建立了清晰的指导方针，即在AEG的产品、建筑和广告中，坚持使用统一的logo、字体和布局。
1898–1971 |生于俄国Ogolitchi
Brodovitch将页面留白和跨页图片融入美国杂志的设计中。
Brodovitch设计编辑了极具影响力的《Portfolio》平面设计杂志。
Brodovitch与Richard Avedon、Irving Penn和Man Ray等摄影师开展了合作。
“让我大吃一惊吧！”[2] 是Alexey Brodovitch一直以来给予设计师、摄影师以及他的学生的挑战，在他创造性的领导下，每一期杂志都是一个创新的机会。
在Brodovitch成为《Harper’s Bazaar》（后文称为“芭莎”）的艺术总监之前，大多数美国杂志的版式都是拥挤无趣的，文字和图片分开布局，模特的摆姿就好像冷冰冰的人体模型。但随着Brodovitch的到来，一切都改变了，他在图片和文字之间做留白处理，给予页面透气感；将字体和图片无缝地结合起来；引入了优雅、成熟并且极富动感的时尚摄影，而不是让模特在影棚中摆出僵硬的站姿。Brodovitch鼓励他的摄影师尽量地表达自我，自由地拍摄，同时让模特更自然地变换动作。《芭莎》中的照片并不仅仅用来展示衣装或对文字予以解释， 它们是Brodovitch想象力的关键要素。摄影师Richard Avedon和Irving Penn的事业都得到了他的栽培。众所周知，摄影师们都不喜欢别人裁剪自己的照片，但却让Brodovitch裁剪照片，甚至连传奇摄影师Henri Cartier-Bresson（亨利·卡蒂埃·布勒松）和Man Ray（曼·雷）都不反对。
在现今的杂志版式中，章首跨页已经很常见了，而这种版式的开创者就是Alexey Brodovitch。一张页面出血并且经过裁剪的照片、一个标题、精巧的文本块以及大量的留白，这些要素结合在一起便形成了一个豪华的专题首页。对于字体排印， Brodovitch比较保守，但他有时也会对不同样式的字体进行试验，以便它们能与照片相呼应。
《Portfolio》是一本极具影响力的设计杂志，Brodovitch为其担任美术编辑，同时也负责内容的开发。《Portfolio》杂志的创意团队渴望创作出一本全新的出版物包括精致的切口、折叠式插页和特种纸印刷。但是，《Portfolio》不接受广告，这种商业模式注定了它的结局，仅仅三期后它就停刊了，保存下来的《Portfolio》杂志如今高达数百美元。
Brodovitch在整个职业生涯中一直都在开办“设计实验室”（Design Laboratory），开始在费城美术馆设立艺术与设计学院, 后来移至纽约的新学院大学。这个实验班向设计师、摄影师和插画师开放，成为许多创意人士的事业起点。设计实验室的学生包括Diane Arbus（戴安·阿勃丝）和Richard Avedon（理查德·艾维顿）。Brodovitch的评论文章虽然严厉，但能给人启迪。
Brodovitch的个人生活并不像事业一样成功，他是一个酒鬼，婚姻不美满，他的儿子在身体和精神上都有着严重的问题。1958年，Brodovitch在《芭莎》传奇的终身职位突然被终止了，解雇原因可能是酗酒。后来，他的健康状况慢慢恶化，在10年后去世。
读 《Alexey Brodovitch》， Kerry William Purcell著
看 在1957年的音乐剧《Funny Face》中，影星Fred Astaire（弗雷德·阿斯泰尔）扮演了一个像Richard Avedon一样的时尚的摄影师，他将奥黛丽·赫本打造成顶级名模，其中一个杂志艺术总监的角色叫Dovitch，其原型就是Alexey Brodovitch。
了解 其他具有影响力的杂志设计师和艺术总监有Mehemed Fehmy Agha、Henry Wolf、Walter Bernard、Roger Black、Neville Brody、Fred Woodward、Luke Hayman和Janet Froelich 。
1917–2011 |生于纽约布鲁克林|就读于美国帕森斯设计学院
Steinweiss设计了具有开创性的唱片封套。
Steinweiss开发了折叠硬纸唱片套。
身处当今这个数字营销时代中很难想象，在曾经的唱片营销活动中，包装封面扮演着至关重要的角色，Alex Steinweiss为唱片设计的黄金时代铺平了道路。
1939年，哥伦比亚唱片公司（Columbia Records）雇用Steinweiss来为唱片营销设计店内海报。当时“78转唱片”仅用朴素的纸张或盒子来包装，根本无助于销售，因此店家们需要海报来为这些唱片做宣传促销。迪卡唱片公司（Decca）则在唱片包装封面上放置一些装饰性插画或唱片艺术家、作曲家的照片。Steinweiss创造性地将漂亮的海报设计应用到实际的唱片封套上。
Steinweiss认为，一幅古板的古典音乐作曲家肖像无法激起顾客的购买欲望，因此，这位狂热的音乐爱好者开创了一种唱片设计的概念性方法，在设计海报之前，他会先听这张唱片，然后让音乐指引着他的创作。为作曲家 Bela Bartok的唱片《第三协奏曲》设计封面时，Steinweiss创作了一幅具有当代色调的抽象钢琴插画，他将风格化的插画、简单的几何形状以及音乐符号混合在一起，并将字体融入整体设计。尽管设计风格受到A.M. Cassandre和Lucian Bernhard的影响，但Steinweiss的作品仍有其自己的特点：俏皮、生动、新鲜。
Steinweiss的创意决策为其作品塑造了独特的风格。位于康涅狄格州布里奇波特的哥伦比亚公司办公室没有排字机，为此，Steinweiss经常亲手绘制字体，后来，他将这些手稿发展为Steinweiss Scrawl字体。彩色套印能够将颜色混和在一起，但是成本也很高，于是，Steinweiss经常使用3、4种平面色彩进行设计。
1948年，哥伦比亚唱片功夫推出了LP唱片（Long Playing，长时间播放）。由于老旧的78转唱片封套会划伤唱片，为此，Steinweiss开发了折叠硬纸唱片套，这种包装一直沿用至今。
除了唱片封面，Steinweiss还设计过杂志、电影标题和产品包装，但大多数作品还是与音乐相关。从20世纪60年代末起，在封面设计中使用照片成为当时流行的做法，因此Steinweiss认识到唱片业已经不适合自己了。1974年，他和妻子移居到佛罗里达，在那里潜心于陶瓷和绘画。幸运的是，在2011年逝世之前，他看到了唱片业的复兴。
读 《Alex Steinweiss: The Inventor of the Modern Album Cover》， Kevin Reagan和Steven Heller著。
了解 其他在音乐领域具有影响力的设计师有Charles Murphy、Reid Miles、Hipgnosis、Jamie Reid、Barney Bubbles、Vaughan Oliver、Art Chantry和Jason Munn。
1907–1984 |生于瑞士英格堡|就读于日内瓦的耶可礼斯·布劳斯艺术学校和巴黎现代艺术学院
Matter在设计、摄影和教学领域都非常出色。
Matter将摄影技术应用到设计中。
Matter在整个事业生涯中对新事物的尝试从未间断。
Herbert Matter先后师从A.M. Cassandre、Le Corbusier和Fernand Leger，学习了排字印刷、几何和抽象。他将这些设计感情全部献给了在祖国瑞士以及后期在美国的以不断探索为目标的事业。
在巴黎完成学业后，Matter因为档案被移民局发现有问题，因此被迫离开法国回到故乡。后来，他在苏黎世安顿下来，并为瑞士国家旅游局设计了一系列海报。当时典型的海报中展现的是自然风光和城市景观，而Matter设计的海报则完全不同，他将不同照片拼贴在一起，通过戏剧性的比例变化和显著的透视，创作出比现实主义更具表现力和艺术感的画面。
1936年，Matter前往纽约开创摄影事业，在那里，他遇到了《芭莎》杂志的艺术总监Alexey Brodovitch。那时Brodovitch已经是Matter的仰慕者了，办公室中挂着两幅Matter的海报。他委托Matter为其拍摄一些时尚照片。随后Matter的摄影作品也越来越偏向实验性质。
Matter在加利福尼亚为Charles和Ray Eames设计数年家具之后，回到了纽约。1944年以后，他与现代家具厂商诺尔国际公司（Hans & Florence Knoll）合作多年。为纽黑文铁路公司（New Haven Railroad）进行设计期间，Matter仅针对logo就尝试了100多种方案。最终方案采用红黑两色的搭配，加之粗衬线字体，视觉效果震撼，并且极易识别。接下来，这个庞大的项目还包含列车、车票、时刻表及宣传资料的设计。
直到今天，Matter的影响力依然强大。在耶鲁大学教授摄影课时，待人谦和的他更愿意亲自示范，而非照本宣科。他觉得，他的工作就是把要说的东西，真真正正地做出来。
“…Industry is a tough taskmaster.
（工业是一个粗暴的工头）
Art is tougher.
（艺术也很艰难）
Industry plus Art, almost impossible.
（工业加艺术，几乎不可能）
Some artists have done the impossible.
（而有些艺术家实现了不可能）
Herbert Matter, for example.
（Herbert Matter就是其中一位）
His work of ‘32 could have been done in ‘72 or even ‘82.
（他不满于做好本分，总是给人惊奇）
It has that timeless, unerring quality one recognizes instinctively.”[3]
（他的作品永恒、无暇，任何人都能将其一眼辨识）
——Paul Rand
摘自Matter作品展目录
看 《The Visual Language of Herbert Matter》，Reto Caduff拍摄的纪录片。
读 《Herbert Matter: Modernist Photography and Graphic Design》，Jeffrey Head著。
Matter对现代艺术的奉献不仅反映在他的作品中，也体现在他的个人关系里。画家Jackson Pollack是他的挚友，通过他们的妻子相识，他们两位的妻子曾因抗议公共事业振兴署裁员而在被监禁在一起。Franz Kline、Robert Frank和Willem de Kooning也是Matter的好友。Matter为纽约现代艺术博物馆执导了一部电影，影片以他朋友Alexander Calder的雕塑为主题。他还为他的邻居Alberto Giacometti及其雕塑拍摄了照片，这些照片在Matter去世后被出版成一本书。Matter的妻子，抽象主义画家Mercedes Matter，也是Matter的灵感来源。Mercedes于1963年在纽约格林威治村创建了非常有影响力的纽约工作室学校（New York Studio School of Drawing, Painting, and Sculpture），专门致力于素描、绘画和雕塑。
1897–1976 |生于前捷克斯洛伐克的皮尔森|就读于布拉格艺术建筑与设计学院、布拉格查理大学和捷克技术大学
Sutnar开创了信息化设计。
Sutnar的著作图书为设计系统提供了重要的指导。
Sutnar 还设计过目录册、图书、展览和玩具等。
Ladislav Sutnar本打算只在美国短暂工作，但全球性事件让他只能待在纽约，他在那里建立了具有高度影响力的设计事业。
Sutnar在布拉格设计的图书封面、舞台布景和展览非常出色，于是政府邀请他担任1939年纽约世界博览会捷克国家馆的设计师。同年3月，德军入侵前捷克斯洛伐克，所以Sutnar留在了纽约，并与其他一些流亡者成为了朋友，如设计师Walter Gropius和Herbert Bayer。此外，他还结识了作家Knud Lönberg-Holm，并与其成为了合作伙伴，二人一同开发商业信息设计的新方法。
Lönberg-Holm任职于Sweet’s Catalog Service公司，主要是为建筑行业不同的制造商编撰商品目录册。这些汇集全面信息的目录册对用户非常方便，但视觉上可能会有些混乱。Sutnar加入公司后，增强了商品型目录册的设计。
Sutnar和Lönberg-Holm认识到人们会用不同方式寻找产品，为此，他们开发了一种系统，可以通过公司名称、商标或产品名称来对商品进行交叉引用。Sutnar利用色彩、形状和图形符号引导读者去处理海量信息，通过改变字体的比例和权重、反转颜色以及使用斜体字和括号让信息的展现更有层次，更容易被浏览、阅读和记忆（他还建立了一个规范，将电话号码中区码放在括号中）。与当时Alexey Brodovitch设计杂志的方法一样， Sutnar也采用跨页设计，不仅在视觉效果上很有趣，还能帮助读者阅读。
Sutnar和Lönberg-Holm还合著了3本书：《Catalog Design》（1944年）、《Designing Information》（1947年）以及《Catalog Design Process》（1950年）。这些著作详尽地介绍了他们的设计方法，并且鼓励设计师在创造震撼视觉效果时要设定一个一致的标准。
由于深受功能性结构主义和风格派运动的影响， Sutnar一直致力于开发一种能够直截了当传达信息的视觉语言。事实上，英语是他的第二语言，经常会引起沟通上的障碍，这也许就是他的动机。图表、曲线和图像可以将信息简化显示，以便为忙碌的人们节省时间。Sutnar这种引导人们处理复杂信息的方式，听起来像后来的Edward Tufte、Richard Saul Wurman以及无处不在的数字和网页设计师进一步发展而来的信息设计或信息构架。
就像有的人坚信设计会影响日常生活的方方面面一样，Sutnar涉足的设计领域非常多：家具、织物、玻璃器皿、餐盘和玩具。Sutnar设计了一套名叫“Build the Town”的积木，色彩丰富，妙趣横生，尽管他不遗余力地设计了包装和宣传素材，但实际上这套积木并没有实际生产出来。
读 《Envisioning Information》，Edward Tufte著，展示和介绍了世界各地信息设计的最佳案例。
看 访问TED.com，观看TED（Technology=科技、Entertainment=娱乐、Design=设计）演讲视频。
1915–1955 |生于美国科罗拉多州丹佛市|就读于洛杉矶社区大学和美国设计艺术中心学院
Lustig 涉足多个设计学科。
Lustig 采用理性的方法来处理问题。
Lustig 设计了具有开创性的图书封面。
杂志、室内、图书、夹克、包装、织物、酒店、商场标识系统，《脱线先生》的开场字幕以及直升机都是Alvin Lustig的设计领域。他认为“平面设计师”的称呼对他来说太局限了，在短短40年的生命中，他几乎设计了一切。
Lustig在洛杉矶开创了他的事业，并忙碌于洛杉矶和纽约之间。他第一次在纽约安顿下来为《Look》杂志工作的那段时间，开始为客户进行室内设计，几年后，他回到洛杉矶后继续进行室内设计。这样的工作启发他为客户设计整体包装，从公司标识到办公环境。
他最受欢迎的是图书封面设计。New Directions 公司的出版人James Laughlin以非常传统的方式包装现代文学图书，但却无人问津。Lustig通过使用明亮的色彩，效仿Joan Miró 和Paul Klee作品，在设计中加入抽象视觉元素，让这些书获得新生。Lustig没有采用在封面上展示一张能够明确代表故事的图片的做法，而是通读作品，然后创作出一个视觉符号，以此全面地解释图书的意义。这个方法非常有效，书店开始全力展示这些图书，销售也成倍增长。虽然Laughlin不希望读者是因为封面才买书，但他还是很高兴，因为正是卓越的封面引领着更多的人去接触优秀的图书内容。像Herbert Matter一样，Lustig改变了摄影的现实品质，创造了抽象的艺术形式。他设计的一系列概念性的黑白封面，标志着设计风格从使用插画转变为照片拼贴。他在1953年为Federico Garcia Lorca的《Three Tragedies》设计的封面就是一个绝佳的例子，Lustig 将作者的名字写在沙滩上，然后用相机将其拍摄下来，这样就将字体和图像有效地结合起来。与占主导地位的彩色印刷配以传统字体的封面相比，《Three Tragedies》优秀的封面设计加上廉价的单色印刷，使得这本书得以在市场中脱颖而出。
青年时期，Lustig就被诊断出患有糖尿病， 1950年，他的视力开始下降，1954年便已经完全失明。但这并没有让Lustig停下手中的工作，他可以用内心感受设计，并让妻子Elaine Lustig Cohen或另外一位助手在他的细心指导下完成设计。Lustig于1955年去世，Elaine接手了丈夫去世时留下的许多未完成的作品，后来，她也成为一名广受赞誉的设计师。
第一行的三个封面：
《Selected Poems》, Ezra Poun著，1949年
《The Glass Menagerie》，Tennessee Williams著，1949年
《Stephen Crane: Stories And Tales》，1955年
第二行的三个封面：
《3 Tragedies》，Federico Garcia Lorca著，平装版，1955年
《The Green Child》，Herbert Read著，1948年
《The Final Hours》，Jose Suarez Carreno著，1953年
第一行的三个封面：
《Stories of Artists andWriters》，Henry James, 1953年
《The Wanderer》，Henri Alain-Fournier，1946年
《Sex and Repression in Savage Society》，Bronislaw Malinowski，1955年
第二行的三个封面：
《Selected Poems》，Kenneth Patchen，1945年
《The Longest Journey》，E.M. Forster，1943年
《Hard Candy》，Tennessee Williams，Elaine Lustig Cohen设计
1955年，Lustig在妻子Elaine只有28岁时就去世了。
虽然没有接受过正式的设计训练，但Elaine在Alvin工作室负责设计图书封面、标识和目录册的工作。随着自己风格的形成， Elaine接手了Alvin工作室。后来，她嫁给了图书出版人Arthur Cohen, 并一起建立了Ex Libris公司，这是一个专注于欧洲前卫艺术的图书经销公司。
读 《Born Modern: The Life and Design of Alvin Lustig》,Steven Heller、Elaine Lustig Cohen著。
《By Its Cover: Modern American BookCover Design》, Ned Drew、Paul Sternberge著。
做 在《Three Tragedies》一书的封面中，Alvin Lustig在沙地上写出作者的名字，并将其当作图案，作为图书的重要组成部分。
为你的设计项目也创建一个“字体”，它可以是素材库，也可以来自大自然，用相机把它拍下来，然后将其结合到你的设计中。
1908–1991 |生于奥地利维也纳|就读于普拉特学院
Pineles是美国首位大众杂志的女艺术总监。
Pineles加入了纽约艺术指导俱乐部，并成为第一位入选名人堂的女性。
Pineles聘请了众多优秀的艺术家为主流杂志绘制插画。
现今，专业平面设计人士中有一半都是女性，但在Cipe Pineles谋求她的第一份工作时，未来的老板们对她的作品集很感兴趣，直到他们意识到这是一个女人的名字。
1932年，Pineles最终在Condé Nast公司谋得了一份为艺术总监Mehemed Fehmy Agha做助手的工作。在接下来的15年中，她不断进取，服务于《Vogue》和《Vanity Fair》等杂志。在工作中，她逐渐学习了画册设计、美术设计和欧洲现代艺术。Agha不断地鞭策着自己在艺术上寻求灵感、超越自己。1942年，Pineles成为《Glamour》杂志的艺术总监，这使她成为第一个在美国杂志行业奋斗到这个位置的女性。
后来，Pineles来到《Seventeen》杂志担任艺术总监。这是一本面向年轻女孩、由Helen Valentine主编的杂志。竞争对手将这些年轻女孩视为轻浮的万人迷，而《Seventeen》杂志则认为自己的读者充满智慧而且庄重。为此，Pineles邀请了一些艺术家如Ad Reinhardt、Ben Shahn、Andy Warhol为杂志文章绘制插画，Pineles拒绝了当时杂志插画典型的理想化风格，而是向读者们展现现代艺术之美。由于自己是美术出身的艺术总监，因此她只对插画师们提出一个要求，必须竭尽全力进行创作，作品品质要能与自己的画廊作品媲美。
1950年，Pineles成为《Charm》杂志的艺术总监。这是一本定位于新崛起人群职业女性的杂志。她设计的时尚彩页展现了职业女性在工作、交流以及忙碌时的状态。“我们尝试抛弃那些媚俗，让平淡产生吸引力”。Pineles在后来的采访中评述，“你可能会说，我们试图去传达现实之美，而不是虚幻的仙境”[4] 。她的作品在重新定位了女性杂志的同时，也促进了女性在社会中的角色转换。
从1961年起，Pineles自立门户，服务于林肯表演艺术中心等客户。1962～1987年，她在帕森斯设计学院教授画册设计课程，并负责学校出版物的设计工作。她的教学方法专注于内容，而不是风格。Pineles在职业生涯中有着许多“第一”，她以自己的作品为典范，发挥着榜样的力量。
设计师家庭
Cipe Pineles嫁给了哥伦比亚广播公司的设计总监William Golden。在他的引导下，Pineles加入了纽约艺术指导俱乐部。由于William Golden过早离世，她又与信息设计师Will Burtin组建了新家庭。
除此之外，Alexander Rodchenko和Varvara Stepanova，Charles和Ray Eames，Tibor 和Maira Kalman，Massimo和Lella Vignelli，Seymour Chwast和Paula Scher（结婚、离婚、复婚），Stephen Doyle和Gael Towey，Abbott Miller和Ellen Lupton， Rudy VanderLans和Zuzana Licko，Paul Sahre 和Emily Oberman，Pum和Jake Lefebure，以及Armin Vit和Bryony Gomez-Palacio，都是设计师家庭。
读 《Cipe Pineles: A Life of Design》, Martha Scotford著。
《Women in Graphic Design 1890–2012》，Gerda Breuer、Julia Meer编写。
作为收藏品的海报、图书、广告等都在不断升值。一件收藏品可以启迪设计灵感，可以更好地了解历史，并且可以升值。这些藏品可能会非常昂贵，但仍然有一些便利的方式可以收藏这些标志性的设计作品。
投资人Merrill C. Berman于20世纪70年代开始收藏平面设计作品。虽然有段时间他的平面设计藏品受到了艺术圈的排挤，但是现今，Berman有着世界上最大规模的20世纪设计作品收藏。Berman刚开始收藏时，艺术界看不起商业海报和政治海报，而且他并没有以挣钱为目的。相反，他接受了挑战，想要实现博物馆级的现代平面设计作品收藏，当时没有任何人有过这种想法。由于Berman并没有接受过平面设计方面的教育，因此他开始边收藏，边学习。他的藏品都来自于本书介绍的著名设计师，包括Herbert Bayer、E. McKnight Kauffer、Ladislav Sutnar等。Berman经常将其藏品借给博物馆进行展览，供人学习。
如果想要收藏，那么在决定购买作品前，需要先考虑4个问题。
你喜欢什么？
买自己喜欢的作品，不要因为它可能会升值而买下不喜欢的东西，需要确定是喜欢新艺术风格还是俄国的构成主义，或者是不同时期或艺术运动中五花八门的作品。如果想将一幅海报挂在客厅中，则需要考虑其颜色因素。如果想用藏品来启发灵感，则需要想一想能从中学到什么。
Kind 公司的 Greg D’Onofrio组织了一场展览，展品都是20世纪中期的收藏品。Greg 说：“我们收藏我们喜欢的作品。最终，这些收藏品成为设计实践、教育和研究中有价值的工具。只是拥有它并不够，我们同时也能从中受到教育。”
出自哪位设计师之手？
Jules Cheret和Leonetto Cappiello设计的海报很受欢迎，并且很容易找到一件崭新的原始作品的复制品，但这也让它们看似有些普普通通，因此，你可能想得到一些不同的东西。物以稀为贵，在我写作本书时，Herbert Matter于1933年设计的小册子在纽约斯万画廊以1400美元售出，而El Lissitzky的海报”Beat the Whites with the Red Wedge”成交价格为41000美元。在奇瑟姆拉尔森画廊， Josef Müller- Brockmann为奥利维蒂公司设计的海报标价650美元，Milton Glaser的“Bob Dylan”海报标价350美元。
如果钱财有限，则可以从Etsy和eBay网站上购买到由许多店家出售的中世纪现代时期的平面设计作品，有平装书、海报和邮票，价格都不到100美元。
它很稀有么？
需要了解作品是首版还是再版，在大多数情况下，首版比再版更有价值（比如，在写作本书时，Etsy网店上有两个版本的Federico Garcia Lorca的著作《Three Tragedies》，封面由Alvin Lustig设计，其中1947年的首版精装书售价149美元，1962年第9版的平装书只卖12美元）。如果不是用于投资，那么只需要买喜欢的作品即可。
品相怎么样？
收藏品的价值取决于3个方面：创作者、稀有程度以及品相。需要了解作品是否退色，是否损坏或污迹，因为作品会因年代久远有些磨损，这不足为奇。Etsy网站中的ProjectObject店店主Aaron Cohen说：“一个藏品的价值，不是在于它难获取，但是如果它很受欢迎，并且既罕见又漂亮，那么它就非常值得收藏。当然，品相是一个至关重要的因素。如果我藏有一件完全崭新的作品，通常它的价格就很高”。
Aaron Cohen告诉我，他收藏的最有价值的作品是Alvin Lustig为Paul Bowles私人设计的《Amerika》（Franz Kafka著）副本, 以及Lustig在1937年为书商Jacob Zeitlin设计的一个极其稀有的假日请柬。Lindberg也喜欢大量收藏，他最近淘到了一大堆《图钉平面设计》（Push Pin Graphic）杂志。
在进行任何重要的投资前，一定要尽量了解所有的信息，并请信任的人帮忙查看。如果有的收藏品看起来非常好，非常像真品，那它可能就是真品。
1911–1995 |生于美国堪萨斯州的托皮卡|就读于华盛本大学
Thompson将老式元素重新用在现代设计中。
Thompson为30多本杂志做过设计和艺术指导。
Thompson为字母系统发展了一个新的概念。
预算的捉襟见肘没有限制Bradbury Thompson的创意，依托于自身印刷工作背景和广博的字体排印及色彩方面的知识，通过使用老式活版和画像，使Thompson的作品在今天看来依旧很生动。
在获得了经济学学位后，Thompson在他的家乡堪萨斯谋得了一份印刷厂的工作。但带着对杂志设计的憧憬，他来到了纽约，并成为《Mademoiselle》杂志的艺术总监（1945–1959）和《Art News》杂志的设计总监（1945–1972）。在整个职业生涯中，他还为30多本其他杂志做过设计，包括《Smithsonian》和《Business Week》。
Thompson最令人印象深刻的是与Westvaco公司（西弗吉尼亚的一家纸浆和造纸公司）的合作。为了提升公司的造纸和印刷流程， Thompson设计了一本面向专业设计师的杂志《Inspirations》，设计过程中也面临着诸多限制，例如，只能使用从印刷厂、博物馆或广告代理商那里借来或允许使用的现成图像。在那时，抽象设计更为流行，因此Thompson的作品显得有些过时。由于没有所需的素材，他尝试采用照片洗印技术和印刷流程，比如，他将一些明亮的色点添加到一幅老式插画上，并将照片分离为青色、品红色、黄色和黑色4个单独的印刷通道。通过将老式作品与大胆的色彩、透明图层以及引人注目的字体相结合，Thompson证明，现代设计可以与复古元素共存。
与Herbert Bayer的观点一样，Thompson认为字母无需分大小写，因此，他提出了“Alphabet 26”，即每个字母只有一个小写符号，不采用大写字母；对于句首字母和专有名词，字母的尺寸更大一些。“Alphabet 26”不是一种字体，而是一种可以用于任何字体的概念。虽然这个想法引起了一些人的兴趣，但并没有被广泛采用。
Thompson不仅是一位优雅而有品位的人，在其职业生涯中，还涉足了众多学科。他设计过100多种美国邮票，并著有《Art of Graphic Design》（平面设计的艺术）一书。此外，他还在耶鲁大学任教。在《Washburn College Bible》一书的设计中，Thompson使用了经典字体和插画，将文字以自然的方式进行断句，赋予其阅读的节奏。
1908–1998 |生于瑞士洛桑|就读于洛桑古典大学和德国慕尼黑的工艺美术学院
Nitsche对于“设计能够塑造企业公众形象”有着深入理解。
Nitsche设计了一系列具有标志性的科学主题海报。
Nitsche 提升了非小说类书籍的设计标准。
造型大师Paul Klee是Nitsche家的世交好友，他激励Erik Nitsche成为一名艺术家。Nitsche的理想是去包豪斯设计学院求学，但令他失望的是，他没有这种机会。后来，László Moholy-Nagy在看到他的作品后说，“这个人是谁？他的设计极具包豪斯风格”。这一番话鼓舞了Nitsche的信心。
1934年，Nitsche移居到美国，开始时落脚于好莱坞，后来迁往纽约。有一段时期， Nitsche极为高产，他绘制杂志插画、设计电影海报、唱片封套以及为零售商的营销推广创作宣传资料。之后，在1955年，Nitsche开始与通用动力公司合作，这被证明是一个企业设计创新的案例实践。
通用动力公司是一家国防工业承包商，但它希望能够看起来更像是和平的代理人，而不是战争与武器。为此，通用动力公司的高管委托Nitsche全权负责公司新标识的设计，以便改变公司在人们心中的形象。由于公司的许多产品都是顶级机密，如核动力潜艇，所以，Nitsche使用抽象符号来表达用于和平目的的军事科技。他代表通用动力公司为“日内瓦和平利用原子能国际会议”设计一系列海报。在这些海报中，Nitsche将丰富的色彩、几何图形与科学意象相结合，表现出了活泼和乐观（这两个词也可以描述Nitsche本人）。这也成为一种呈现科学信息的新方式，在20世纪50年代的太空时代海报设计中仍然可以看到它的影响。
为了记录公司的历史，Nitsche设计了一本420页的视觉资料《Dynamic America: A History of General Dynamics Corporation and Its Predecessor Companies》，为非小说类的图书设计树立新的标杆，并且在今天仍然给设计师们带来启迪。后来，Nitsche还出版了自己的著作。在20世纪60至70年代，他又创作了历史系列图书，主题涉及交通、通信、建筑、能源、音乐、医学、天文学和摄影。他邀请了一些作家为插画配上文字，而图书的设计和插画都由他亲自创作。通过采用留白和合并图片等新的设计方式，他让老式视觉元素展现出了新鲜感和现代感。
此外，Nitsche还设计杂志、唱片封套、展览、包装以及标识。他觉得，周游于慕尼黑、洛杉矶、纽约、日内瓦和康涅狄格，让他可以保持想象力。虽然经营生意不是他的强项，但他确实是一位自信的、敢于用作品说话的设计师。
1914–1996 |生于瑞士拉珀斯维尔|就读于苏黎世大学和苏黎世实用美术学院
Müller- Brockmann提倡使用网格、无衬线字体以及客观的照片。
Müller- Brockmann 建立了Neue Grafik ，推动了瑞士风格的发展。
Müller- Brockmann编写了第一本全面的平面设计史。
Josef Müller-Brockmann主张理性、功能性的设计。为了做到这一点，他在设计中使用几何图形、摄影作品以及抽象符号。他最喜欢的字体是Akzidenz Grotesk。
曾在包豪斯设计学院学习的建筑师和设计师Max Bill的作品和著作对Müller-Brockmann产生了深深的影响。Bill利用模块化网格即以栏和边距为基础来放置文字和图片进一步发展了Theo van Doesburg的通用视觉语言的理念，为版式提供了秩序、一致性和灵活性，有助于建立层次结构。在今天，网格依然是一个重要的工具，尤其是在网页设计中。
基于网格的平面设计成为国际主义平面设计风格或瑞士风格的基础，而Müller- Brockmann则是这场具有影响力的运动中的关键人物。他认为，手绘插画过于主观和开放，不同的人会有不同的诠释，而摄影作品朴实而公正，可以取代手绘插画。Müller-Brockmann去掉了设计中多余的装饰，使每一个设计元素都具有目的，随着时间的推移，他的作品变得越来越抽象。例如，他为苏黎世音乐厅设计了一系列的音乐会海报，而这些海报中却没有音乐的元素和符号，只有一些放置在网格中的抽象几何形状和线条，借助定位和比例表现音乐的律动和节奏。
Müller-Brockmann创建并合编了《Neue Grafik》杂志（英文为New Graphic Designer），来挑战过度和肤浅的设计，同时也致力于推进瑞士风格。此外，他还著有《The Graphic Artist and his Design Problems》（平面艺术家和他的设计问题，1961年）、《History of the Poster》（海报发展史，与Shizuko MüllerYoshikawa合著，1971年）。他的第三本书《History of Visual Communication 》（视觉传达发展史，1971年）是第一本概述平面设计史的著作。作为一名教育工作者，他鼓励学生关注各种各样的设计，成为问题的解决者，并且对自己严格要求。
“很不幸，瑞士风格因其冰冷、质朴甚至千篇一律的特点而被束之高阁，但事实上，Müller Brockmann的作品相当生动且具有表现力。仔细看看他为苏黎世音乐厅设计的Musica Viva系列海报可以发现，海报中的每一个设计都能巧妙地传达出音乐的情绪、感觉和基调。”[5]
——Mike Joyce
Stereotype Design公司
读 《Grid Systems in Graphic Design》，Josef Müller- Brockmann著。
看 用瑞士风格重新创作的Ramones乐队、Pixies乐队和Yo La Tengo乐队等朋克和独立摇滚乐队的海报（只使用了Akzidenz Grotesk字体）。
了解 其他值得关注的瑞士风格设计师包括Theo Ballmer、Karl Gerstner、Armin Hofmann,、Ernst Keller和Emil Ruder。
1914–1996 |生于纽约布鲁克林|就读于普拉特学院、帕森斯设计学院和艺术学生联盟学校
Rand 是企业标识设计、广告以及编辑设计的大师。
Rand 为许多大型企业设计了家喻户晓的标识。
Rand 通过写作和教学影响了无数设计师。
Paul Rand说过，“无论何种形式的视觉传达，从说服型到信息型，从广告牌到生日请柬，都应该是形式与功能的体现，即漂亮外观与实用功能的结合。”[6]
Rand本名为Peretz Rosenbaum，出生于正统派犹太家庭，考虑到名字会对自己的事业产生不利影响，为此他给自己取了新的名字。Rand在上学期间并没有学习过平面设计的课程，所以，他通过阅读欧洲杂志和书籍来了解包豪斯美学的相关知识。Rand的灵感并不是来自于其他设计师，而是画家毕加索、保罗·克利、瓦西里·康定斯基以及建筑师勒·柯布西耶，他将这些人的影响与自己的智慧相结合，从而开创了现代美国视觉语言。
在事业的早期阶段，Rand为《Esquire》、《Apparel Arts》和一本名叫《Direction》的文化杂志做编辑设计。1941年，Paul Rand与撰稿人William Bernbach在Weintraub广告代理公司亲密合作，将艺术与文案完美地呈现在广告中，其影响持续至今。Rand在图书封面设计中采用基础形状和负空间，并将色彩与简单的无衬线字体相结合，有时还会使用自己的手写字母，使设计更加温暖、真实。
Rand最大的成就表现在企业标识设计领域，他最著名的设计就是IBM公司的logo。这个项目起始于1956年，在之后的20年，他与建筑师Eliot Noyes逐渐将成果展现出来。Paul Rand先调整了IBM现有的粗衬线字体，1972年，他又将横条纹设计应用到字母上，以将3个字母统一。除了logo，Rand还为IBM设计了包装、营销素材以及年度报告模板。Rand后来还为其他客户设计企业标识，这些客户包括西屋电气公司、美国广播公司、UPS公司、耶鲁大学出版社以及NeXT电脑公司（由史蒂夫·乔布斯创立）。Rand的才华不仅限于设计，更重要的是，他能让企业高管意识到设计的价值。
Rand反对平庸，他将自己的设计方法和理论编写进了他的经典著作《Thoughts on Design》（关于设计的思考）之中。他先后在普拉特学院和柯柏联盟学院教课，然后在耶鲁大学担任了25年的教授。直到82岁高龄时他还在努力工作，为此他牺牲了无数的个人时间，如他所言，“设计是一种生活方式”。
“Paul Rand是对我影响最大的平面设计师。暴躁、易怒、慈爱、才华横溢、品位高尚，聪颖且不失战无不胜的个人信念。他是怪人，他是坏蛋，他就是Paul Rand。”[7]
——George Lois
读 《Paul Rand》, Steven Heller著；《Sparkle and Spin: A Book About Words》，Ann和Paul Rand著，这是一本写给小孩子看的插画书，其中插画由Rand绘制，文字由其第二任妻子编写。
《Designing Brand Identity: An Essential Guide for the Whole Branding Team》， Alina Wheeler著，本书用案例图片介绍了品牌设计的全过程。
做 对于测试logo的效果，Paul Rand自有一套：以各种方式模糊或扭曲logo后，还能将它辨认出来么？对设计的logo做个实验吧。
1920–1996 |生于纽约布鲁克斯|就读于艺术学生联盟学校和布鲁克林学院
Bass 开创了电影片头设计的艺术。
Bass 发展了全面的电影广告宣传活动。
Bass 设计了众多广为人知的企业形象。
在Saul Bass之前，电影片头被认为是无足轻重的，在它们播放完之后，电影院的幕布才会拉开。1955年，当导演Otto Preminger的电影《金臂人》（The Man with the Golden Arm）公映时，电影放映员接到通知，在播放演职员表之前拉开幕布，播放Bass设计的电影片头。这个片头不长，但是带有动画效果。
Bass在他的家乡纽约学习艺术，师从László Moholy-Nagy的弟子György Kepes，学习俄国构成主义设计及包豪斯美学。1952年，他在洛杉矶开办了自己的工作室，主要业务是为电影设计宣传海报。导演Otto Preminger雇用Bass为他将在1954年上映的电影《卡门琼斯》（Carmen Jones）设计海报。导演对海报非常欣赏，随后，他又让Bass设计了电影的片头。为此，Bass着重使用了玫瑰与烈焰两个元素作为电影的象征。
Bass作品的关键要素在于与突出电影明星的海报不同，他更愿意使用象征性的图像来呈现电影的含义。在《金臂人》这部电影的片头中，随着演职员名单的播放，抽象的剪纸从不同角度进入荧幕，最后，剪纸变成了一条抽象的手臂，这是电影最主要的象征符号。电影片头由此第一次拥有了情感，并成为了电影的一部分。此外，Bass还为许多电影设计了经典的片头，如《惊魂记》（Psycho）、《疯狂世界》（It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World）、《你好，忧伤》（Bonjour Tristesse）、《迷魂记》（Vertigo）、《霹雳神风》（Grand Prix）以及《西北偏北》（North by Northwest）。在20世纪80至90年代，他还为Martin Scorsese的《好家伙》（Goodfellas）和《赌城风云》（Casino）设计了电影片头。
Bass也改变了电影胶片的营销方式。其他设计师仅意在合作，而Bass则是为电影进行了全面的设计，从标题到海报再到广告。Bass和妻子Elaine合作，执导了自己的电影，包括奥斯卡获奖短片《Why Man Creates》和长篇电影《Phase IV》。
Bass使用同样的符号化视觉方法并带进企业形象设计，他先后为美国大陆航空公司、美能达、AT＆T和华纳通信等企业设计了logo，其中一些今天仍然在使用。
“Bass让电影片头成为一种时尚艺术，在某种情况下，他创造了电影中的迷你电影。他那具有动感的平面构图作为一种电影序幕，既设定了影片的基调，又传达出了情绪，还能为影片做铺垫。”[8]
——Martin Scorsese
读 《Saul Bass: A Life in Film and Design》，Jennifer Bass、Pat Kirkham著。
了解 其他有影响力的电影片头设计师包括Maurice Binder、Pablo Ferro、Kyle Cooper、Olivier Kuntzel、Florence Deygas、Danny Yount、Gareth Smith和Jenny Lee。
1920–1975 |生于阿拉巴马州伯明翰|就读于弗吉尼亚州立大学
Olden开创了电视节目中的弹窗设计。
Olden成为第一位值得瞩目的非洲裔美国平面设计师。
在罗莎·帕克斯、杰基·罗宾森和马丁·路德金冲破种族障碍之前，Georg Olden就进入了传统白人男性支配的平面设计世界，并成为第一位著名的非洲裔平面设计师。Olden出生于阿拉巴马州，他的爷爷参加过美国内战。第二次世界大战期间，Olden离开大学，成为一名平面设计师，服务于美国战略情报局（OSS）。1945年，凭借他的好人缘，他成功地在哥伦比亚广博公司（CBS）获得一份工作。
电视在那时还是全新的事物，在William Golden（此人设计了CBS的眼睛logo）手下期间，Olden负责设计6个电视节目的弹窗设计。电视作为一种视觉媒介，局限性很大，黑白画面、固定的比例以及低质量的画面，使字体看起来很模糊。但是Olden却通过在设计中使用清晰简单的标题，快速地传达了节目的要点，他将字体与图像结合起来，创作出了大胆、生动和活泼的视觉效果。在Olden 15年的工作中，他从一名普通的设计师成长为一名14人创意团队的领导者。与此同时，美国的电视机装机量也从原先的1.6台发展到了8500万台。1960年，Olden转行到广告业，一开始在BBDO（天联）广告公司工作，后来在麦肯爱里克森广告公司工作。
1963年，Olden被委任设计《解放奴隶宣言》一百周年纪念邮票，这使他成为第一位设计美国邮票的非洲裔设计师，因为那时非洲裔仍然受歧视。他在设计中使用的断开的铁链图像简单而直接，就像他之前在电视台的作品一样。后来，Olden出席了在白宫举行的仪式，仪式上，约翰·肯尼迪总统向大家介绍了这枚邮票。
作为设计界为数不多的非洲裔设计师之一，Olden说他从未感受到被歧视。他坚信，只要有天分，肯努力，谁都可以获得像他一样成就。但在1970年，他被麦肯爱里克森广告公司解雇，并且对公司种族歧视的诉讼失败。后来，Olden搬到了加利福尼亚，从事了一些不同的工作，甚至执导了一集“The Mod Squad”。Olden一直为被公司解雇而心烦意乱，因此，他与其他被歧视的受害者一起对麦肯爱里克森广告公司发起了集体诉讼。当一切发展到极其关键的时刻，1974年1月25日Olden却遭到枪击身亡。他的同居女友被指控为凶手，但后来她以自卫的理由而无罪释放。不管怎样， Olden都是一位才华横溢并且具有开拓进取精神的平面设计师。
“作为第一位在美国大公司获得行政地位的非洲裔设计师，我的目标和棒球运动员杰基·罗宾森一样，获得我的同龄人、业界以及公众的最大尊重。由此希望将来美国的非洲裔可以被接受，并获得更多的工作机会。”[9]
——Georg Olden
读 《TV by Design: Modern Art and the Rise of Network Television》，Lynn Spigel 著。本书探究了20世纪50至60年代，现代主义风格在电视中的角色。
《Fly In the Buttermilk: Memoirs of an African American in Advertising, Design & Design Education》， Archie Boston 著。
1908–1972 |生于德国科隆|就读于科隆工艺美术学校和科隆艺术学校
Burtin通过设计让复杂的信息易于理解。
Burtin在对科学有着更先进的理解。
Burtin组织了多学科之间的交流会议。
通常，平面设计不涉及生死攸关的事情，但对于身处第二次世界大战中的Will Burtin来说，战士的性命全都取决于其设计的精确性与有效性。
在德国，他被迫为纳粹德国宣传希特勒。1938年，他和妻子逃到了美国。据说，他从未说过一句德语。
Burtin在1943年被征召加入美国陆军，为战斗机飞行员设计一些空战射击训练手册。这项工作的挑战在于不仅要让士兵轻松地理解并记住复杂的信息，还要考虑如何将时间、动作以及判断因素纳入到训练中。Burtin证实，设计可以传达出重要和有用的信息，在精确与高效之中还体现着美观。通过学习这本设计非凡的手册，美军飞行员在射击训练上所需要的时间减少了一半。后来，美军以Burtin的模式为其安排了未来的工作，即深入研究一个复杂的课题，然后将之以视觉化呈现。
Burtin才华出众，《财富》杂志的出版人认为他的工作能为杂志带来最佳收益，因此为Burtin作担保，使其提前从美国陆军退伍。Burtin在《财富》杂志的设计中使用了易于理解的图表，并用图形来呈现复杂的金融信息，使杂志更加优雅。同样，他使用这种方法设计了普强公司（Upjohn）《Scope》杂志中的医学信息。
Burtin在与普强公司30年的合作中，为公司设计了标识、包装、信件以及开创性的展览。Burtin为了帮助人们更好地理解人类的细胞构造，设计了一个放大100万倍的细胞模型，并配有脉冲灯，供电线路长达一英里。“大脑”展览走遍美国，大约有1000万人参观。
1960年，Burtin组织了多学科会议Vision 65和Vision 67, 以解决大众传播工具和技术的挑战。会议上的发言者包括Josef Müller-Brockmann、Marshall McLuhan、Umberto Eco、Buckminster Fuller、Max Bill和Wim Crouwel。Burtin与其他设计师保持着非常好的关系。在他的妻子死后，他与女设计总监Cipe Pineles结婚。在Burtin的葬礼上，正是Saul Bass为其诵读悼词。
读 《Design and Science: The Life and Work of Will Burtin》，R. Roger Remington、Robert Fripp 著。
《Visual Strategies: A Practical Guide to Graphics for Scientists and Engineers》，Felice C. Frankel、Angela H. DePace 著，这是一本关于当代科学设计的使用手册。
注 释
[1].R. Roger Remington, “AIGA 大奖获得者: Lester Beall,” http://www.aiga.org/medalist-lesterbeall/, 1993.
[2].Quentin Newark, What is Graphic Design? (Hove, UK:Roto Vision出版社, 2007), 134.
[4].Martha Scotford, “The Tenth Pioneer,” Eye, no. 18, vol. 5,1995.
[6].Jeremy Aynsley, Pioneers of Modern Graphic Design,(London: Mitchell Beazley, 2004), 106.
[9].Julie Lasky, “AIGA 大奖获得者: Georg Olden,”http://www.aiga.org/medalist-georgolden/, 1988.
